sábado, 19 de septiembre de 2009

Entrevista a Satoshi Kon


En Julio de 2006 hice una entrevista por correo electrónico al Director Satoshi Kon, siendo este -desde mi punto de vista- uno de los mejores realizadores de anime en la actualidad.
A pesar que esta saldrá publicada en mi próximo libro, quise compartirla con ustedes.


Rolando José Rodríguez: En la película “Millennium Actress” nos pareció una combinación poco usual de géneros del cine japonés como el Kaiju Eiga, Chambara, Jidai Geki entre otros, ¿tenía un objetivo expreso? ¿confrontó dificultades o le generó fortalezas?


Satoshi Kon: Pienso que la película “Millennium Actress”, es una collage de varios géneros, es muy novedosa no solamente entre las películas japonesas sino, extranjeras también. Tuve en mente esta característica de la película desde el comienzo de la planificación. “Millennium Actress” nació de la siguiente frase:


“Inicialmente parece a ser la historia de su vida contada por la actriz vieja que dominó toda una generación con su fama… pero gradualmente los recuerdos de ella se mezclan con los episodios de las películas en que ella salió creando una historia llena de incidentes.”

Así escribí yo en la primera anotación de ideas, y me parece que desde aquel momento ya tuve la idea de hacer la película en forma de un catálogo que muestra la variedad de géneros. Cuando me pregunto si tuve algún objetivo específico para hacerla de esta manera, lo único que puedo decir es que yo mismo quisiera ver una película de este tipo.


Por otro lado, “el collage de géneros” es solamente la forma externa o el modo de expresión de la película y no es su tema central. Entonces el motivo central que traspasa por toda la película es algo muy, muy sencillo, es decir “la búsqueda de la persona que tu amas”. Se estableció esto como la urdimbre y a esto se tejieron varios géneros como tramas.


Entonces, inmediatamente se enfrenta el problema del orden por el cual se va a introducir los diferentes géneros. De allí surgió la idea de hacer la película como un reflejo de la historia japonesa. Pensé que si pudiéramos combinar el crecimiento de la protagonista, Chiyoko, con el desarrollo de la historia japonesa podríamos elevar el concepto de “Millennium Actress” a un nivel más alto. Al mismo tiempo, el co-guionista, el Sr. Murai, presentó la idea de hacerla en forma de una reseña de la historia cinematográfica de Japón. Así, poco a poco se consolidaba el concepto de la película.


Pienso que el objetivo fue muy bueno, pero lograrlo fue una cosa más difícil. La razón es que todo el personal, inclusive yo mismo, éramos muy ignorantes de la historia de nuestro propio país. Reflexionando sobre esto ahora, pienso que el plan fue demasiado temerario. Por supuesto, los ciudadanos japoneses tienen la educación obligatoria y por eso tenemos el conocimiento general que se enseña en las escuelas. Pero de lo que carecemos grandemente -los japoneses actuales- es de los sentimientos reales que deben corroborar con estos conocimientos aprendidos. Esto es algo que está relacionado directamente con la historia japonesa.


Luego de la derrota de la Segunda Guerra Mundial, Japón comenzó su reestructuración como un país completamente distinto de lo que era antes. Si pudiera explicar este fenómeno en una sola frase, según mis propias experiencias, pienso que sería que Japón “se occidentalizó”, o para decirlo de forma más concreta sería que Japón trató de “ser como los Estados Unidos”.


Sin embargo, para entender este fenómeno existe un problema complicado en su propia estructura. Desde antes de nacer, esta occidentalización fue la tendencia en Japón, entonces aunque yo tratase de analizar este fenómeno, se hace difícil porque estoy tratando de entender los aspectos americanizados de mí mismo con una mente que ya es americanizada. Para mí fue en “Millennium Actress” donde tuve que continuamente enfrentar este problema complicado, y por otro lado a través de desviarme por medio de “Millennium Actress” siento que pude confirmar un poco el contenido de mi propia mente.


Durante la producción de “Millennium Actress” apareció la siguiente imagen en mi mente:

En las habitaciones tradicionales del Japón se usan “tatami” para el piso dentro de la casa. El “tatami” es una estera gruesa de paja con hilo de cáñamo cuya superficie está cubierta con un tejido de juncos japoneses. El aire en el interior tiene el efecto de aislamiento térmico, además absorbe la humedad del cuarto a través del tejido de juncos en la superficie. En otras palabras, el “tatami” respira. Es un piso tradicional que es ideal para el clima muy húmedo del Japón.


Sin embargo, en la era posguerra del Japón, cuando se aspiraba a adoptar las costumbres de los Estados Unidos, frecuentemente la gente comenzaba a poner alfombras occidentales encima de su piso de “tatami”. Parece que se quiso por lo menos tener la apariencia de la cultura occidental, pero al mismo tiempo la alfombra mataba la respiración del “tatami”.


“Poner alfombra encima del ‘tatami’ tradicional para lograr tener una apariencia occidental” esto para mí fue la imagen que apareció en mi mente, y representaba la “imagen de los propios japoneses”. Para decirlo de otra manera, es la actitud de matar sus valores tradicionales y superficialmente tratar de occidentalizarse. Entonces para una persona de tal cultura, se hace muy difícil realmente encontrar la historia y valores de su propio país.


Uno puede ver el “tatami” solamente pasando por la alfombra, de la misma forma sentí que yo miraba la historia y valores de mi propio país pasando por un filtro occidental. Me pregunté, al producir “Millennium Actress”, si yo pudiese quitar al menos una parte de la “alfombra occidental” que estaba en mi mente para poder realmente encontrar al Japón. Por supuesto, no es posible, ni necesario pienso, quitar la alfombra por completo, pero siento personalmente que la mayor cosecha de la producción de “Millennium Actress” fue de haber podido darme cuenta de esta situación.



2.) RJR: La diferencia del trabajo de dirección de películas de cine y de una serie de TV ¿lleva consigo aprendizajes nuevos o experiencias que desee compartirnos?


SK: Básicamente mi propósito es hacer una “obra divertida”, y para mí no importa si es para televisión o película. Pero una obra de teatro tiene menos aprietos de presupuesto o programación, el cual exige al productor estar más claro en su propósito y posibilita hacer una obra con más precisión, y por ello prefiero la película. Por otro lado, la producción de cine tiene la desventaja de tomar más tiempo en comparación a la televisión.


La decisión de hacer una obra de televisión o una de cine depende de la idea de la obra, porque cada idea tiene una característica que le conviene más a un medio u otro. La serie de televisión que yo dirigí fue solamente de 13 episodios “Moso Dairinin” (Paranoia Agent), pero desde antes de producir esta yo estaba consciente de que el ambiente de la producción televisiva es severo. Yo no tenía, en aquel entonces, la necesidad personal de meterme en toda esta dificultad y producir una serie de televisión. Tuve interés en producir una serie de televisión, sin embargo, honestamente para mi carrera personal no era algo necesario y yo no hubiera perdido nada si no la hubiese hecho.


Sin embargo, poniéndome a mí mismo a un lado, cuando pensábamos en nuestro equipo de producción y los varios problemas de la industria a mediano y largo plazo, llegamos a la conclusión que deberíamos hacerla. Para decirlo en una palabra, el problema fue la falta de recursos humanos.


Hasta entonces nuestro equipo de producción trabajaba eficientemente con un presupuesto de producción que no era nada abundante. Hicimos todo lo posible para eliminar los despilfarros en la producción para tratar de siempre mejorar la calidad de la película. Pero al mismo tiempo esto causa la reducción del número de personal. Sencillamente uno está forzado a tomar la actitud de “no se necesita personal que no sea diestro.” Esto es algo lógico y para cualquiera persona el ideal es producir con solamente personal diestro. Pero entonces surge el problema de ¿dónde se formarán personas diestras?


Aquí cuando hablo de “personas diestras” quiero decir personas que son apropiadas para nuestro equipo de producción en la realización de nuestra película. Podría ser que haya muchas personas diestras de otro tipo, pero que no son adecuadas para nosotros. Por otro lado, las personas diestras que han venido trabajando con nosotros en múltiples ocasiones, por supuesto ya tienen más años y devengan mayor salario. Además, el volumen de trabajo que se puede hacer disminuye, se hace difícil cambiar su manera de pensar o sus ideas son repetitivas. Entonces, con la meta de descubrir y formar nuevos recursos humanos, pensamos en producir una serie de televisión que es menos exigente que el cine. Pensamos que aun las personas que no son diestras para el cine, pueden participar en la producción televisiva.


El personal talentoso que conocí como resultado de la producción de “Moso Dairinin” fue muy poco, unas pocas personas. Pero de todos modos pienso que fue bueno que produjimos una serie de televisión. Aunque no trabajaron conmigo después de la producción de “Moso Dairinin”, parece que había personas que pulieron sus habilidades a través de esa producción, y desde la perspectiva de la industria entera pienso que también fue positiva.


Dije anteriormente que para mi carrera personal no tenía mucho significado la producción de esta serie, pero una vez que decidimos producirla, busqué agresivamente la forma en que su producción podría tener significativo para mí. Por ejemplo, el orden del guión, montaje y sonido. En el caso de la producción de cine, esto puede tomar de 1 a 2 años y medio, y durante este período es solamente una vez que se puede experimentar los trabajos de guión, montaje y sonido. En comparación, para la serie de televisión en menos de un año se puede experimentar estos trabajos 13 veces.


Hasta la producción televisiva yo había producido solamente 3 películas, por ello tuve solamente 3 ocasiones de trabajar con guión, montaje y sonido y en cada una de estas ocasiones sentí profundamente mi falta de experiencia. Por lo tanto, la producción de “Moso Dairinin” para mí fue un gran entrenamiento y estímulo por tener que desarrollar la idea (de la serie) en el momento de hacer el guión, además aprendí muchas cosas en el montaje, tal como la manera de abrir espacios o mantener el ritmo. También tuve que pensar mucho con la post grabación, música, el concepto del doblaje, cómo expresar mis direcciones y cómo transmitir la imagen. Además, fue interesante para mí porque en la serie de televisión el tiempo desde concebir la idea, darle forma hasta perfeccionarla es más corto, por eso pudimos hacer la retroalimentación de una variedad de cosas en la producción.



3.) RJR:¿Prevé cambios en el futuro en cuanto al intensivo uso del 3D y al GC en la animación japonesa?


SK: Pienso que el uso de 3D y CG seguirá expandiéndose más, también su modo de uso se va a desarrollar. Eso es únicamente un pronóstico de que la situación actual va a acelerarse. De verdad, no sé si en el futuro habrá un cambio no solamente de la cantidad, sino también un gran cambio en la calidad de estos medios.


Como se hace actualmente en los Estados Unidos, seguro que en Japón también habrá anime de uso completo de 3D y GC en el futuro. Desde el punto de vista del costo de producción y el problema de recursos humanos pienso que el anime de 3D completo va a seguir extendiéndose. Por otro lado, no pienso que el anime de 2D (anime de dibujo manual) va a ser rechazado completamente en Japón como fue en los EE.UU.


La razón es que hay una gran diferencia entre la manera de percibir imágenes en Japón y la de percibir imágenes en el occidente (Estados Unidos y Europa), y pienso que debe haber una causa de esto. Básicamente, en los diseños occidentales se muestra las tres dimensiones del objeto a través de las sombras creadas por la cantidad de objetos, la masa o profundidad. Por supuesto, en Japón también se aprenden estos principios fundamentales de dibujo, y yo mismo entrené con estas técnicas. Pero me parece que a los Japoneses les gustan más las imágenes tradicionales de Japón, como es representativo el “ukiyo-e”, donde se delimita el contorno del objeto con una línea. Esta es mi propia impresión, pero pienso que no es un análisis muy equivocado.


Para la manera occidental de percibir imágenes, pienso que es apropiada la 3D que crea las tres dimensiones a través de tres ejes de coordenadas. Por otro lado, para la manera japonesa de percibir imágenes pienso que la 2D es suficiente. En mi opinión, la razón por la que el desarrollo de la cultura “manga” en Japón tomó un camino distinto está basada en parte por su diferente manera de percepción.


Los personajes de anime y manga de Japón muchas veces no tienen una tridimensionalidad completa. Aunque el personaje no presenta una forma coherente en tres dimensiones, me parece que lo que se toma en importancia es que la cara del personaje siempre muestra “el carácter” de ese personaje. Es decir, “si la cara del personaje da la misma impresión al lector, no importa que la forma de su cara cambia con cada ángulo”, o sea se ignora a propósito la congruencia de las tres dimensiones para crear una cara que siempre da la misma impresión.


Pienso que esa es la manera de construir el carácter del personaje, pero no se puede hacer esto con la 3D. En verdad, cuando se hacen los personajes de manga en tres dimensiones, por ejemplo para los juegos de video, se siente algo extraño al verlos en 3D. En comparación, la razón por que en Estados Unidos se tiene éxito en hacer sus personajes de cómicas en tres dimensiones, es que fundamentalmente su manera de percibir las imágenes es distinta a la manera de Japón.


El anime de Japón nació del suelo creado por las mangas que se desarrollaron en forma extraordinaria y están ampliamente enraizadas en Japón, y actualmente la animación de las mangas es cosa común y corriente. Por lo tanto, en Japón donde a la gente le gusta la manga de 2D y está acostumbrada a esta, pienso que se seguirá haciendo anime con dibujos manuales, aunque puede ser que su número disminuya.


Personalmente, no tengo la intención de negar la anime de GC o 3D, además en las obras que yo dirijo pienso combinar una variedad de técnicas. Es más deseable que dos técnicas que representan distintos valores y sabores, como el GC y dibujo manual, estén juntos en la misma imagen sin crear percepción de extrañeza. Es igual que el mundo actual donde es más deseable que pueblos con diferentes idiomas, colores, religiones y países de diferentes formas de gobierno conviven en el mismo planeta tierra. Aunque en el mundo real me parece que los conflictos y desacuerdos son cosa del día.


Como este es mi pensamiento, no quiero que se usa una sola forma de expresión, por ejemplo que todo anime se haga solamente en forma de 3D y GC. De mi parte no pienso hacer un anime de solamente 3D y GC. La técnica de “dibujar imágenes a mano” que aprendí y pulí por muchos años de experiencia no es algo que puede ser reemplazado por nuevas técnicas, y mirándolo objetivamente, pienso que es algo valioso. Quiero seguir usando efectivamente esta técnica en el futuro.



4.) RJR: Cuando desarrolla sus guiones ¿le asigna importancia a la reacción del público japonés, del internacional o de ambos?


SK: Pienso que los dos son importantes. Por supuesto, pienso mucho en cómo la obra afectaría al público japonés, o sea a los mismos japoneses como yo, y cómo reaccionarían porque están más cerca de mí. Al mismo tiempo, estoy pensando también ¿qué partes van afectar a las personas extranjeras, y que partes no van a afectarlas a ellas? No se puede reunir todo bajo una sola palabra de “extranjero”, tengo que pensar en cada país individualmente, por ejemplo: la reacción en Estados Unidos, en Francia, en Corea, etc. Pero es verdad que se hace difícil pensar en los países a los que uno nunca ha ido.


Cuando uno va a la presentación de su película en una feria de cine, se puede ver las caras de la audiencia que vino a ver nuestra película, y esto facilita a uno imaginar las reacciones en la producción de la próxima (obra).

Por ejemplo, esto es lo que ocurre:

“Esa mujer que vino a ver la presentación de “Millennium Actress” en Sitges, España, ¿va a reír ella en la de “Tokyo Godfathers” ?”

o,

“Ese hombre que vino a ver la presentación de “Tokyo Godfathers” en Nueva York, ¿va a sorprenderse en este escenario de “Paprika” ?”


Pienso en estas cosas mientras dibujo el contenido de las imágenes.

Durante la producción de la película, me divierto en conversar, en mi cabeza, con la audiencia de mi imaginación, sea de extranjero o de Japón. Sin embargo, la audiencia número uno que yo imagino es “la persona que debe existir en algún lugar que es como yo”. Es con esta persona que yo trato de comunicarme en la producción, buscando cómo mejor transmitirle mi idea..


Suelo preguntarme en este tipo de entrevista, “¿cuánto toma en cuenta usted a los extranjeros en la producción de su película?” Debido a las películas que hicimos anteriormente, por supuesto estoy consciente en la producción nueva de que una vez que terminemos la producción que probablemente será presentada en el extranjero. Sin embargo, nunca pienso en hacer la película más entendible a los extranjeros o no incluir algún contenido porque solamente los japoneses van a entender y los extranjeros no. Siempre estoy tratando de estar consciente del espacio y época en que vivo, es decir, “estoy haciendo este tipo de cosas porque este es el Japón actual en que vivo.”



5.) RJR:¿Cómo influye en la calidad del producto final, qué parte del trabajo de animación sea hecho en el extranjero?


SK: No es reciente que se comenzó a solicitar una parte de la producción en el extranjero (especialmente Corea y China), desde hace más de 20 años se está haciendo esto. No se puede decir que la calidad de anime japonés ha empeorado o súbitamente mejorado en comparación a antes de esto. Anteriormente, se pensaba que la calidad de trabajo era mejor en Japón, pero actualmente el nivel de Corea ha mejorado bastante, y al mismo tiempo el nivel de Japón sigue bajando. Entonces, ya no hay una gran diferencia entre los dos.


A quien sea que se solicite el trabajo, si uno quiere un buen trabajo o un resultado nítido no hay otra opción que invertir más tiempo y dinero. Después de todo, no es una división aproximada entre extranjeros y nacionales, más bien es una cuestión de habilidad (capacidad) que tenga la persona a quien se encarga (el trabajo). Si va a pedir el trabajo a una persona con habilidad, tiene que preparar la remuneración apropiada. Es algo muy obvio.


En cualquier edad, si uno quiere hacer algo de alta calidad de esa época, el trabajo de nivel promedio no va a ser suficiente. Obviamente, se llama algo “de alta calidad” porque es mejor que el promedio. Para hacer algo mejor que el promedio, hay dos maneras de pensar: la primera es hacerlo solamente con personal que tenga habilidades mejores que el promedio. La otra manera es que el personal con habilidades levante a los demás del nivel promedio. Personalmente pienso que esta última es realmente la única manera de hacerlo.


Aunque se consiga personal que sea mejor que el promedio de la industria, dentro de este equipo de personal el promedio será más alto (que la industria). Al fin, dentro de este equipo algunas personas de alto nivel van a levantar el nivel de trabajo de los demás, porque las personas con habilidad siempre van a tratar de hacer algo de mejor nivel. Es por eso que ellas consiguieron su habilidad desde el principio.


Por lo tanto, tanto en el pasado como en el futuro, mientras haya un cierto porcentaje de personas con habilidad en el equipo, no importa a quien se solicite el trabajo, pienso que van a aparecer obras de buena calidad. Sin embargo, la realidad de la industria de anime es que no está desarrollando personas con habilidad. Es sencillo seguir produciendo anime de espíritu infantil, pero pienso que no es muy prometedor el futuro de la clase de anime que yo deseo.


6.) RJR: Recientemente el gobierno japonés ha comenzado a utilizar el manga y el anime como embajadores culturales, ¿Cuáles son sus sentimientos como cultor de estas expresiones culturales? ¿Recomendaría estrategias para América Latina?


SK: Mi sentimiento general es que no hay nada bueno cuando el gobierno u organizaciones públicas intervienen, aun fuera de los géneros de anime y manga. Por otro lado, “Paprika” es una película que corría el riesgo de no producirse si no fuera por el subsidio del Departamento de Cultura, por lo tanto mis pensamientos son un poco complicados referente a este tema.


Posiblemente será ofensivo decirlo de la siguiente forma, pero no puedo imaginar que haya otro motivo que la promoción económica; el hecho de que una organización pública invierta dinero en una cultura joven, como es el anime y manga. La organización pública está tratando al anime y manga como algo cultural no porque los reconozca a ellos como una cultura, sino solamente porque vea que “el anime y manga están siendo aceptados en el extranjero” o piensa que “pueden ser nuevos artículos de exportación.”


Por supuesto, la economía es algo muy importante, y no es nada malo captar el interés por este motivo. Pero hay que estar consciente de que el anime y manga existen no solamente por su elemento económico. Incluyen muchos elementos culturales y artísticos y por ello es lógico que se designen como embajadores culturales de paz. Pero no puedo quitarme la impresión de que la intención es únicamente por su efecto económico.


Si se enfatiza solamente en el elemento económico entonces lo próximo va a suceder: “Son buenos animes solamente aquellos que venden bien.”

No puedo estar de acuerdo con esto. Por lo tanto, deseo producir una película que tenga contenido cultural, además podrá producir un efecto económico, pero esto no es algo que se puede hacer por voluntad. Por ello, estoy trabajando para que la película tenga un resultado económico que por lo menos cubrirá el presupuesto para la próxima obra.


Al final, referente a la pregunta “¿recomendaría estrategias para América Latina?”, igual que nunca he pensado en una “estrategia para Estados Unidos”, “estrategia para Asia”, “estrategia para Africa”, tampoco tengo una “estrategia para América Latina.” Más bien me gustaría que me enseñe ¿qué es lo que las personas del mundo latino -aunque no se pude hablar por todas- quieren ver?

5 comentarios:

Denshou dijo...

Realmente muy buena, aprendí muchas cosas! gracias Rolando!"

Taichi dijo...

Profesor, aplaudo por la entrevista, Satoshi Kon es uno de los grandes exponentes del cine animado japonés y he visto al menos uno de sus trabajos, Paprika. Se me hace muy interesante su perpectiva de animación que lo trata más como una obra de arte único con su propia expresividad...

Mis respetos :)

AstroZarro dijo...

Me gusto mucho la entrevista, las preguntas acertadas, y las respuestas muy completas. Vi parte de Tokyo Godfathers, pero personalmente me gusto mas Paprika.

Chii-Original dijo...

Hola , hace tiempo que no aparecia , tú sabes hablar japones? como le hicistes para entrevistarlo?

Ame dijo...

Hola, no habia querido leer este post sin antes ver 'Millennium Actress', sencillamente genial y estoy segura que la habria disfrutado muchisimo mas en pantalla gigante, pero ahora comparto gran parte de tu admiracion por su realizador (porque definitivamente lo conoces mejor).
Ahora si, la entrevista me encanto, muchisimas gracias por compartirla, ha sido un placer leer sus opiniones.